Il Progetto

Il progetto "Pioppi cipressini" nasce dalla volontà di recuperare e valorizzare un antico casolare rurale situato nella campagna modenese, trasformandolo in una residenza contemporanea che dialoga armoniosamente con il paesaggio circostante.

L'approccio progettuale si è concentrato sul riuso consapevole dell'esistente, preservando le strutture portanti originali e i materiali tradizionali, mentre gli spazi interni sono stati completamente ripensati per rispondere alle esigenze abitative contemporanee.

Caratteristiche principali

• Tipologia: Riuso e ristrutturazione residenziale
• Superficie: Circa 250 mq + porticato e spazi esterni
• Intervento: Recupero conservativo con adeguamento energetico e strutturale
• Materiali: Pietra locale, legno di recupero, intonaci naturali, vetrate a taglio termico

Un progetto che dimostra come il recupero del patrimonio rurale possa generare nuove forme dell'abitare.

Il Progetto

Nel cuore di un tessuto produttivo in trasformazione, un ex capannone artigianale rinasce come spazio direzionale contemporaneo, diventando la nuova sede operativa di una società, protagonista nel settore dei servizi energetici.

L'intervento si configura come un esempio di rigenerazione architettonica, dove memoria industriale e innovazione si intrecciano in un equilibrio misurato. La riconversione funzionale ha trasformato l'involucro esistente in un ambiente fluido e performante, senza rinunciare all'identità originaria del manufatto.

Elemento cardine del progetto è il recupero integrale delle capriate metalliche, riportate alla loro espressività strutturale e assunte a segno distintivo degli spazi interni. Queste strutture, un tempo puramente funzionali, diventano oggi protagoniste estetiche, scandendo il ritmo degli ambienti e dialogando con soluzioni impiantistiche e finiture contemporanee.

La progettazione ha privilegiato trasparenza, luce naturale e flessibilità distributiva, configurando spazi di lavoro dinamici, coerenti con le esigenze di un'azienda orientata all'efficienza energetica e all'innovazione. Il risultato è un ambiente che non solo ospita funzioni operative, ma racconta una visione: quella di un'energia che evolve, rispettando le proprie radici.

Un intervento che dimostra come il riuso consapevole possa generare valore, trasformando un'eredità industriale in un hub direzionale sostenibile e identitario.

Il Progetto

L'edificio si articola in un equilibrio tra forma costruita e spazio aperto, dove i volumi dialogano con l'ambiente circostante attraverso linee essenziali e materiali naturali. Le superfici, prevalentemente lisce, legno trattato e intonaci minerali, riflettono la luce con morbidezza, contribuendo a creare un'atmosfera visiva distesa e uniforme. Le aperture, ampie ma calibrate, incorniciano scorci urbani e porzioni di paesaggio, favorendo una continuità percettiva tra interno ed esterno.

Gli spazi esterni tra corti verdi e piccoli slarghi favoriscono una fruizione graduale e contemplativa. La vegetazione non è elemento accessorio, ma parte integrante della struttura: arbusti autoctoni, prati verdi e sistemi di drenaggio naturale contribuiscono a definire un microclima equilibrato e mitigando rumori e temperature.

Soluzioni bioclimatiche riducono l'impatto energetico senza rinunciare alla qualità spaziale.

Ne emerge un paesaggio urbano che non impone, ma accoglie; non accelera, ma accompagna. La composizione complessiva restituisce così una sensazione diffusa di quiete, in cui l'architettura si pone come dispositivo di armonizzazione tra l'uomo e il suo ambiente.

Il Progetto

In un contesto produttivo/artigianale il progetto si configura come un intervento di chiaro stampo razionalista, in cui il linguaggio architettonico si articola attraverso una composizione volumetrica netta e leggibile, giocata sul contrasto tra pieni e vuoti e sull'accostamento di materiali e cromie.

Il corpo principale ospita al piano terra Uffici ed al primo piano Residenza, caratterizzato da un volume compatto intonacato chiaro, che si impone come elemento dominante: una massa pura, quasi astratta, di chiaro stampo razionalista. Le superfici sono pulite, scandite da aperture puntuali e da bucature orizzontali che enfatizzano la linearità dell'insieme. Il coronamento piano, con parapetto leggero svela la presenza di una copertura praticabile, ampliando la percezione dello spazio abitativo verso l'esterno.

In contrappunto, il basamento scuro rivestito in Ceramica introduce una dimensione più tattile e radicata al suolo. Questo elemento non è solo un supporto funzionale che ospita accessi e spazi di servizio, ma diventa un dispositivo compositivo dell'intero progetto.

Particolare è il sistema distributivo esterno: la scala metallica, con disegno essenziale e trasparente, si configura come un elemento dinamico che conduce al terrazzo dove si affaccia l'alloggio.

Il rapporto con il contesto è mediato da una recinzione discreta e da uno spazio di ingresso pavimentato che funge da filtro tra la dimensione pubblica della strada e quella privata dell'abitazione. Sullo sfondo, il volume secondario dell'attività Artigianale introduce un ulteriore livello di profondità cromatica, creando un dialogo tra architetture differenti ma complementari.

Nel complesso, il progetto vuole evidenziare un equilibrio calibrato tra rigore geometrico e sensibilità materica, dove ogni elemento, dal dettaglio costruttivo alla composizione generale, concorre a definire un'identità architettonica contemporanea, sobria ma espressiva.

Il Progetto

L'intervento si configura come una riqualificazione in chiave contemporanea, capace di mantenere un dialogo misurato e coerente con il contesto storico attraverso l'impiego calibrato di materiali tradizionali reinterpretati.

Elemento cardine dell'intero progetto è il vano scala centrale, concepito come fulcro distributivo e spaziale dell'abitazione. Al suo interno si sviluppa una scala in ferro con pedate in legno, caratterizzata da un design essenziale e leggero, che diventa il vero protagonista architettonico. Questo elemento non è solo funzionale al collegamento verticale, ma assume un ruolo identitario e scenografico, scandendo la percezione degli spazi e conferendo continuità visiva tra i livelli.

Introdotti nel salottino di accoglienza pensato come spazio filtro tra l'esterno e la dimensione privata, si sale in un ambiente fluido che ospita cucina e soggiorno-pranzo. Al secondo piano ed in mansarda si sviluppa la zona notte, composta da tre camere da letto e due bagni, progettati per offrire comfort e riservatezza. La presenza delle coperture inclinate e delle travi a vista contribuisce a definire un ambiente caldo e caratterizzato.

L'intervento è fortemente orientato all'efficienza energetica e al comfort abitativo. L'edificio è dotato di impianto di riscaldamento a pompa di calore, sistema di accumulo per l'acqua calda sanitaria e impianto fotovoltaico con batterie di accumulo. L'involucro è progettato con un isolamento termico ad alte prestazioni, al fine di garantire elevati standard energetici e ridurre i consumi.

Nel complesso, il progetto rappresenta una sintesi equilibrata tra innovazione tecnologica, qualità spaziale e rispetto del contesto storico, con una forte attenzione al dettaglio e alla centralità dell'esperienza abitativa.

Il Progetto

Villa contemporanea che interpreta il tema dell'abitare sostenibile attraverso un linguaggio architettonico essenziale, integrato nel paesaggio periurbano. L'edificio, interamente realizzato in legno con tecnologie costruttive ad alte prestazioni, si sviluppa su due livelli e si distingue per l'equilibrio tra rigore compositivo, comfort abitativo e qualità materica.

Il volume principale si presenta compatto e lineare, alleggerito da un'attenta articolazione delle superfici e dall'alternanza tra intonaco chiaro e rivestimenti lignei orizzontali, che sottolineano i punti di relazione tra interno ed esterno. Le ampie falde inclinate, con sporti pronunciati e struttura a vista, conferiscono all'insieme un carattere domestico contemporaneo, reinterpretando in chiave moderna la tradizione della casa unifamiliare.

Al piano terra si sviluppa la zona giorno, concepita come uno spazio fluido e permeabile alla luce naturale. I pergolati in legno definiscono luoghi di sosta e di convivialità all'aperto, creando una naturale estensione della casa verso il verde. Il piano primo ospita invece la zona notte, composta da tre camere da letto e due bagni.

Elemento autonomo ma perfettamente integrato nel progetto è l'autorimessa doppia separata, costruita in muratura con copertura piana predisposta per l'impianto fotovoltaico. La scelta di distinguere formalmente il volume tecnico dalla casa principale contribuisce a mantenere leggerezza compositiva e qualità percettiva degli spazi aperti.

L'autorimessa è unita alla residenza attraverso un pergolato ligneo e una pavimentazione ceramica che armonizza lo spazio insieme a uno schermo ceramico che raffigura un bosco di betulle. L'intervento, di forte impatto scenografico, trasforma un semplice spazio di connessione in un'esperienza immersiva e narrativa.

Ne emerge un'architettura sobria ma sofisticata, in cui sostenibilità, innovazione e qualità dell'abitare convivono in un equilibrio misurato e contemporaneo.

Il Progetto

L'appartamento, situato nel centro storico, si configura come un intervento residenziale di alto profilo rivolto a una giovane coppia, caratterizzato da un linguaggio architettonico contemporaneo reinterpretato attraverso richiami classici e un'attenta ricerca materica.

L'intero progetto d'interni si sviluppa secondo un'impostazione elegante, minimale e rigorosa, dove la pulizia delle linee si combina con tonalità neutre e calde, prevalentemente declinate nei beige, avorio e legni naturali. La scelta compositiva privilegia continuità visiva, luminosità diffusa e proporzioni equilibrate, contribuendo a definire ambienti sofisticati ma al tempo stesso accoglienti.

L'ingresso introduce immediatamente il carattere dell'appartamento attraverso una composizione calibrata di elementi contemporanei e dettagli classici.

La zona giorno presenta un'organizzazione funzionale open-space con integrazione tra cucina, area dining e soggiorno. La cucina, dal disegno essenziale e contemporaneo si estende nell'area pranzo che è valorizzata da arredi dal design morbido e organico. Il soggiorno invece si distingue per un'impostazione più rappresentativa, nella quale elementi classici dialogano con arredi minimali e palette cromatiche estremamente controllate. La composizione privilegia comfort e qualità percettiva dello spazio.

La zona notte mantiene coerenza stilistica con il resto dell'abitazione attraverso un linguaggio sobrio ed elegante. La camera matrimoniale evidenzia un equilibrio tra funzionalità e ricercatezza mediante armadiature integrate a tutta altezza, utilizzo di essenze lignee chiare e illuminazione sospesa laterale dal carattere decorativo minimale. L'ambiente restituisce una percezione di calma e continuità materica, coerente con il concept generale dell'intervento.

Nel complesso, il progetto esprime un indirizzo architettonico contemporaneo di matrice "soft luxury", nel quale qualità dei materiali, attenzione illuminotecnica e rigore compositivo convergono nella realizzazione di una residenza urbana elegante, funzionale e rappresentativa.

Agonismo. Dialoghi tra ordine e caos

Ci sono occasioni in cui percorsi artistici molto diversi si incontrano e, pur mantenendo la propria identità, scoprono di interrogarsi sulle stesse domande.

La mostra dedicata al tema dell'Agonismo, all'interno del Festival della Filosofia, è stata una di queste occasioni.

Condividere questo percorso con Giovanni Battista Maria Falcone e Cristian Boffelli mi ha permesso di osservare come linguaggi apparentemente lontani possano convergere attorno a una riflessione comune: il rapporto incessante tra ordine e caos, tra costruzione e dissoluzione, tra il desiderio umano di dare forma al mondo e la sua inevitabile trasformazione.

Nelle fotografie di Giovanni Battista Maria Falcone ho ritrovato la forza della memoria e delle sue contraddizioni. Le sue immagini non descrivono soltanto un'architettura: evocano una presenza che ancora oggi interroga chi osserva.

Il lavoro di Cristian Boffelli segue invece una traiettoria diversa ma altrettanto intensa. Attraverso l'incisione e la litografia il segno diventa energia, movimento, trasformazione continua. Uomini e animali si rincorrono e si fondono in un racconto che sembra richiamare le forze primordiali della natura e della vita, dove ogni forma è destinata a mutare in un'altra.

Il mio contributo nasce da luoghi che conosco e frequento da anni: architetture industriali abbandonate, testimonianze di un passato produttivo che il tempo ha progressivamente trasformato. Attraverso l'immagine cerco di cogliere quel momento sospeso in cui il decadimento non rappresenta soltanto una fine, ma diventa occasione per una nuova lettura dello spazio. In particolare la tonalità seppia non vuole alimentare la nostalgia, ma suggerire una distanza temporale che consenta di osservare questi luoghi con uno sguardo diverso, più contemplativo.

Osservando insieme i nostri lavori ho percepito come le differenze tecniche e linguistiche si trasformassero in un dialogo. Fotografia e incisione, memoria e simbolo, immobilità e movimento, convergevano verso una riflessione condivisa sulla fragilità dell'esistenza e sul continuo confronto tra ciò che permane e ciò che si dissolve.

Forse è anche questo il significato più profondo dell'Agonismo: non la vittoria di una forza sull'altra, ma la tensione permanente tra opposti che rende possibile ogni trasformazione.

La città e il personaggio. Memorie in volo sopra Modena

Quando la prof.ssa Anna Maria Nalini Setti mi ha invitato a partecipare all'incontro "La Città e il Personaggio", ospitato dalla Galleria Mazzoli, ho immediatamente pensato che il vero protagonista non fosse soltanto il personaggio evocato dall'iniziativa, ma la città stessa.

Le città raccontano continuamente storie. Lo fanno attraverso le architetture, le piazze, le finestre illuminate nelle sere d'inverno, i dettagli che sfuggono a uno sguardo distratto ma che restano impressi nella memoria di chi osserva con attenzione.

Da questa convinzione nasce il progetto fotografico "Gli occhi delle Città" presentato durante l'incontro: una selezione di immagini tratte dal repertorio realizzato per "Modena dietro l'angolo", ricerca sviluppata nel 2010 attraverso migliaia di scatti dedicati al centro storico cittadino.

Nel tempo ho imparato a guardare Modena come si osserva una persona. Non soltanto per ciò che mostra, ma per ciò che custodisce. Le sue facciate, i cortili nascosti, le prospettive improvvise, le geometrie che emergono tra luce e ombra diventano frammenti di un racconto che si rinnova ogni giorno.

Immagini che sembrano sottrarsi allo sguardo nell'istante stesso in cui vengono osservate, per poi riaffiorare nella memoria sotto forma di suggestioni, emozioni e ricordi.

Ogni immagine rappresenta piuttosto un tentativo di interpretare un luogo, di coglierne il carattere invisibile, di trasformare uno spazio fisico in esperienza personale. In questo senso la città diventa qualcosa di più di un insieme di edifici: diventa memoria condivisa, racconto collettivo, paesaggio interiore.

L'incontro è stato anche l'occasione per riflettere su un luogo che ha segnato profondamente la vita culturale modenese: la Galleria Mazzoli. Entrare in questi spazi significa confrontarsi con una storia fatta di intuizioni, ricerca, incontri e aperture verso i linguaggi più innovativi dell'arte contemporanea.

Ripercorrere la figura del gallerista e il suo contributo alla crescita culturale della città ha permesso di riscoprire una Modena meno conosciuta ma altrettanto autentica: una città capace di dialogare con il mondo, di accogliere la sperimentazione e di trasformare la cultura in occasione di confronto e crescita.

Forse è proprio questo il valore più prezioso di iniziative come "La Città e il Personaggio": ricordarci che i luoghi non sono soltanto scenari della nostra vita, ma presenze vive che continuano a dialogare con chi è disposto ad ascoltarli.

Tra sogno e realtà - quando un sogno trova casa

Ci sono percorsi che nascono da un progetto preciso e altre che prendono forma lentamente, quasi senza accorgersene, attraverso incontri, confronti e reciproche scoperte.

Il viaggio con Tessi Mori appartiene certamente a questa seconda categoria.

Ci siamo trovati più volte a confrontarci su linguaggi apparentemente differenti e su come potessero condividere sensibilità comuni. La sua ricerca, costruita attraverso la pittura e l'incisione, indaga il valore del segno, della memoria e della materia. Il mio percorso fotografico, pur partendo dall'osservazione del reale, cerca spesso di superare la dimensione documentaria per avvicinarsi a territori più evocativi e interiori.

Da questa affinità è nato Tra sogno e realtà, progetto espositivo ospitato negli spazi di Quartopiano, presso Puntozero a Modena.

Fin dall'inizio non abbiamo immaginato un semplice accostamento di opere, ma la costruzione di un dialogo. Ci interessava capire come immagini, segni, superfici e memorie potessero incontrarsi e generare nuove letture.

Osservando le opere di Tessi Mori sono sempre stato colpito dalla capacità del segno di trattenere il tempo. Le sue incisioni e le sue pitture sembrano custodire tracce di storie lontane, frammenti di narrazioni mai completamente svelate, lasciando allo spettatore lo spazio per completarle con la propria immaginazione.

Le fotografie che ho presentato in mostra nascono da una ricerca diversa ma, in fondo, animata dalla stessa esigenza. Attraverso l'obiettivo cerco luoghi, dettagli e situazioni capaci di suggerire qualcosa che va oltre ciò che appare. Non mi interessa soltanto mostrare uno spazio o un'immagine, ma evocare un'atmosfera, una memoria, una sensazione destinata a proseguire nello sguardo di chi osserva.

Nel percorso espositivo le opere hanno iniziato a dialogare tra loro in modo naturale. Luci, ombre, superfici e segni costruivano relazioni inattese, come se appartenessero a un racconto comune. La pittura, l'incisione e la fotografia smettevano di essere discipline separate per diventare strumenti diversi di una stessa narrazione.

Forse il titolo della mostra racchiude proprio il senso di questa esperienza. Tra sogno e realtà non indica un luogo preciso, ma uno spazio di confine. È quel territorio sottile in cui il reale si intreccia con la memoria, dove ciò che vediamo si mescola a ciò che immaginiamo e ogni opera diventa occasione per costruire una storia personale.

In un tempo che spesso ci spinge a osservare velocemente, questa mostra rappresentava per noi un invito diverso: fermarsi, ascoltare e lasciare che siano le immagini a suggerire il proprio racconto.

Tra sogno e realtà, un dialogo che continua

Dopo l'esperienza di Tra sogno e realtà e i numerosi confronti maturati all'interno della realtà artistica modenese, si presentò quasi inaspettatamente l'opportunità di dare vita a uno spazio espositivo permanente. Un luogo capace di accogliere artisti, idee e percorsi differenti, favorendo quel dialogo creativo che negli anni aveva generato tante occasioni di crescita e condivisione.

Fu così che Tessi Mori, in brevissimo tempo, sostenuta dall'amico Piero e animata da una straordinaria determinazione, trasformò un'intuizione in un progetto concreto: nacque Artesì, una galleria dedicata all'arte contemporanea, pensata non soltanto come spazio espositivo ma come luogo di incontro, confronto e partecipazione.

Ho vissuto questa avventura quasi in punta di piedi, coinvolto indirettamente ma emotivamente molto vicino a ogni sua fase. Ricordo i sopralluoghi, le idee che si rincorrevano, le discussioni sull'allestimento, l'entusiasmo che cresceva man mano che quello spazio iniziava a rivelare le proprie potenzialità.

L'inaugurazione fu uno di quei momenti che restano impressi nella memoria. Artisti, amici, appassionati e curiosi riempivano gli ambienti con la stessa energia che aveva accompagnato la nascita del progetto. In quell'occasione, insieme a Tessi, presentammo nuovamente le opere di Tra sogno e realtà, con altre opere ideate per l'occasione quasi fossero il naturale proseguimento del percorso iniziato a Quartopiano.

Le opere apparivano diverse, pur essendo le stesse. Il nuovo contesto, le relazioni che si creavano tra le persone e l'atmosfera della serata offrivano nuove possibilità di lettura, come se quel dialogo tra fotografia, pittura e incisione avesse trovato un ulteriore capitolo da raccontare.

Ma il ricordo più vivo non è legato soltanto alle opere esposte. È legato soprattutto alle persone. Alle conversazioni nate spontaneamente davanti a un'immagine, agli incontri inattesi, ai sorrisi, ai brindisi condivisi. A quella sensazione, rara e preziosa, di partecipare alla nascita di qualcosa che muove interessi comuni ed esprime un valore più autentico dell'arte: creare occasioni d'incontro. E quella giornata, più di ogni altra cosa, fu una celebrazione dell'amicizia, della condivisione e della capacità delle idee di trasformarsi in esperienze vissute insieme.

Modena: due percorsi. All'ombra di Mimmo Paladino, al sole di San Geminiano

Questa rassegna fotografica è stata proposta al Centro Culturale Alberione come un doppio percorso di scoperta della nostra città, costruito attraverso dettagli, suggestioni e memorie che spesso sfuggono allo sguardo frettoloso di chi la attraversa ogni giorno.

Il primo nucleo espositivo raccoglie una selezione di immagini tratte dal progetto Dietro l'Angolo – Facciate del Centro Storico di Modena 2010, dedicate all'impronta lasciata dall'artista della Transavanguardia Mimmo Paladino durante il periodo del restauro della Ghirlandina. In quegli anni il celebre campanile modenese fu avvolto da un grande telo decorato dall'artista, trasformando un cantiere in un'opera d'arte e offrendo ai cittadini una visione insolita e sorprendente del simbolo della città.

Ricordo ancora i commenti dei modenesi che si fermavano con il naso all'insù: c'era chi considerava quell'intervento una provocazione, chi ne rimaneva affascinato e chi, semplicemente, non riusciva a passare senza alzare lo sguardo.

Il secondo itinerario raccoglie invece vedute e scorci di Modena nel giorno di San Geminiano, Patrono della città. Sono immagini che raccontano la vitalità delle strade, le persone, le luci invernali e quell'atmosfera particolare che ogni modenese riconosce immediatamente. Qui il filo conduttore è il detto popolare della "città invisibile": una città fatta non soltanto di monumenti e architetture, ma anche di incontri, tradizioni, gesti quotidiani e piccoli particolari che rischiano di passare inosservati.

Attraverso queste fotografie emergono le molte anime di Modena: la tradizione e la contemporaneità, il sacro e il quotidiano, la memoria e il cambiamento. Una città che custodisce la propria identità tanto nei simboli più antichi quanto nelle trasformazioni del presente, e che continua a rivelarsi e a sorprendere anche a chi crede di conoscerla da sempre.

Quattro donne, e molte altre

Quattro donne, e molte altre non è stata soltanto una mostra, ma un percorso emozionale capace di intrecciare immagini, musica e profumi in un unico racconto sensoriale.

Negli spazi di Avery Perfume Gallery, la ricerca artistica di Anna Armellino ha trovato una dimensione particolarmente intensa e coinvolgente. Da oltre vent'anni impegnata in un dialogo continuo tra arti visive e musica, l'artista modenese ha presentato un progetto nato come omaggio a Nina Simone, figura straordinaria di donna, musicista e attivista, la cui voce e i cui ideali continuano a risuonare nel tempo.

Organizzare la mostra con Anna e Michele è stata un'esperienza coinvolgente. L'esposizione si sviluppava come una sorta di ideale raccolta musicale: ogni opera era concepita come una traccia, un frammento narrativo capace di evocare episodi, emozioni e suggestioni legate alla vita dell'artista afroamericana. Attraverso il linguaggio raffinato dell'incisione, tecnica che Armellino utilizza con grande libertà espressiva, arricchita da interventi e sperimentazioni di tecniche miste, prendeva forma un universo femminile complesso, fatto di forza, fragilità, memoria e desiderio di emancipazione.

Il visitatore veniva accompagnato in un viaggio dove il segno grafico, la materia e il bianco e nero delle opere dialogavano con il ritmo invisibile della musica di Nina Simone. Le immagini non illustravano semplicemente una storia, ma ne restituivano l'anima, trasformando ogni lavoro in un'esperienza intima e profondamente evocativa.

A rendere ancora più originale il percorso espositivo è stata la scelta di ampliare il dialogo tra le arti coinvolgendo anche il senso dell'olfatto. In corrispondenza delle opere, speciali boules in vetro permettevano di scoprire fragranze di ricerca selezionate da Avery Perfume Gallery, creando un ponte inatteso tra visione e percezione olfattiva. I profumi diventavano così parte integrante della narrazione, amplificando emozioni e suggestioni e offrendo al pubblico una modalità di fruizione insolita e immersiva.

Quattro donne, e molte altre ha rappresentato quindi un incontro tra linguaggi diversi ma profondamente affini: l'arte dell'incisione, la musica, la memoria, il profumo. Un'esperienza che ha celebrato la figura femminile nella sua pluralità e che ha reso omaggio non solo a Nina Simone, ma a tutte quelle donne che, attraverso il talento, il coraggio e la libertà di espressione, hanno lasciato un segno nella storia e nell'immaginario collettivo.

Ret.a.il – La metafora della vita

Ret.a.il è nato dall'esigenza di riflettere sull'identità contemporanea, sulle maschere che indossiamo e sulla difficoltà di riconoscere noi stessi all'interno della rete di relazioni, aspettative e condizionamenti che caratterizzano la nostra esistenza.

L'idea ha preso forma tra il cantiere e le passeggiate nel centro storico, parallelamente al percorso del Festival Filosofia dedicato al tema Persona. Dubbi, ripensamenti e continue rielaborazioni hanno accompagnato la realizzazione dell'opera. Trasformare pensieri e inquietudini in un linguaggio visivo capace di comunicare non è stato semplice.

La soddisfazione più grande è arrivata nel vedere il lavoro esposto e nell'osservare il pubblico avvicinarsi, fermarsi, interrogarsi. Molte persone hanno dedicato tempo alla lettura del pannello introduttivo, hanno cercato connessioni tra le immagini e condiviso interpretazioni e sensazioni. La loro curiosità è stata il riconoscimento più autentico del lavoro svolto.

Particolarmente emozionante è stato assistere ai dialoghi spontanei che nascevano davanti all'installazione. Quelle che potevano apparire come semplici fotografie di nuca diventavano, per molti, una metafora immediata della perdita dell'identità e dell'omologazione sociale. Ognuno sembrava ritrovare nella rete metallica e nelle figure ritratte qualcosa della propria esperienza.

Questo progetto non avrebbe potuto realizzarsi senza il sostegno delle persone che vi hanno creduto fin dall'inizio. Un ringraziamento speciale va agli amici che mi hanno accompagnato lungo tutto il cammino, condividendone le difficoltà, sostenendomi nei momenti di incertezza e contribuendo concretamente all'allestimento.

Un pensiero particolare va a Damiano, curatore della mostra insieme a Michele, direttore di Avery Perfume Gallery. La loro sensibilità e la capacità di cogliere il significato dell'opera sono state determinanti per la riuscita dell'esposizione. Michele, in particolare, non si è limitato a ospitare la mostra: ha saputo valorizzarla, accompagnandone la crescita e favorendo quel dialogo tra opera e pubblico che ne costituisce l'essenza.

Ret.a.il è stata una sfida impegnativa, ma anche un'esperienza intensa e ricca di riflessioni condivise: la conferma che l'arte può ancora creare incontri, suscitare domande e aiutarci a guardare, almeno per un istante, oltre le maschere che indossiamo ogni giorno.

Gaka - dietro le quinte

Entrare nel Laboratorio d'Arte Grafica di Modena insieme a Tessi e a Tatsunori Kano non è stato semplicemente visitare una stamperia: è stato entrare in un luogo dove il tempo sembra scorrere con un ritmo diverso, scandito dal rumore dei torchi, dall'odore dell'inchiostro e dalla pazienza dei gesti artigianali.

Fin dai primi momenti ho avuto la sensazione di trovarmi in uno spazio speciale. Le grandi macchine da stampa, i tavoli ricoperti di strumenti, le lastre, le carte e le opere sparse raccontavano una storia fatta di lavoro, ricerca e passione. Osservare Tatsunori Kano mentre preparava e controllava con estrema attenzione ogni fase della stampa è stato affascinante. Ogni gesto appariva semplice, ma dietro l'occhio esperto dello stampatore.

Nelle poche ore trascorse in laboratorio ho percepito quanto l'incisione sia un'arte che richiede lentezza e precisione. Nulla è lasciato al caso: la preparazione della matrice, l'inchiostrazione, la pulizia delle superfici, la pressione del torchio. Tutto contribuisce alla nascita dell'opera finale.

Questa esperienza acquista un significato ancora più profondo se si pensa alla storia del laboratorio. Le sue radici affondano nel percorso di Roberto Gatti, che dopo la formazione all'Istituto d'Arte scoprì il mondo dell'incisione negli anni Settanta frequentando il laboratorio "Il Torchio Modenese". Da quell'incontro nacque una passione destinata a diventare una professione. Dopo l'esperienza della Stamperia d'Arte Il Cerchio, fondata nel 1979, e un lungo periodo di studio e perfezionamento accanto a importanti maestri della stampa italiana, Gatti diede vita al Laboratorio d'Arte Grafica di Modena, trasformandolo nel tempo in un punto di riferimento per artisti e incisori. Non è soltanto un luogo di produzione artistica, ma uno spazio di incontro, confronto e trasmissione del sapere.

L'esperienza condivisa con Tessi e Tatsunori Kano, e naturalmente AnnaMaria, mi ha fatto comprendere quanto valore ci sia dietro ogni stampa: non solo competenza tecnica, ma anche rispetto per la materia, per il tempo e per la storia di un'arte che continua a rinnovarsi senza perdere le proprie radici.

Tatsunori - Disordine Apparente

Ci sono mostre che, lentamente, prendono forma e ti allargano gli orizzonti.

Oltre l’orizzonte è stata questo per me.

All’inizio c’era la necessità di trovare un equilibrio tra il progetto espositivo e la sua identità visiva e in questo Tessi Mori era speciale, stava cercando un modo di esporre che ogni dettaglio parlasse la stessa lingua delle opere.

Poi sono arrivate le tele di Tatsunori Kano. E tutto ha cambiato ritmo.

Davanti ai suoi lavori si è subito capito che quello che sembrava gesto improvviso era, in realtà, il risultato di un controllo assoluto. Quel "disordine apparente" è in realtà una costruzione paziente, una disciplina silenziosa che lascia spazio all’imprevisto senza mai esserne dominata.

Anche l’allestimento, allora, ha iniziato a seguire quella stessa logica.

Ogni opera chiedeva respiro. Ogni distanza tra una tela e l’altra diventava importante quanto la tela stessa. Era come se l’allestimento della mostra stessa insegnasse ad aspettare.

Durante la preparazione ho attraversato emozioni molto diverse. L’entusiasmo dell’inizio lasciava spesso spazio al dubbio: entravo nella paura di Tessi di non riuscire a restituire la profondità del lavoro di Kano, o nel timore che l’allestimento diventasse un semplice contenitore invece di essere parte del racconto.

Le superfici materiche, costruite con pigmenti, sabbie e polveri di marmo, sembravano trattenere memoria e luce insieme. Non erano immagini da osservare soltanto, ma luoghi da attraversare con lo sguardo, "oltre l’orizzonte".

Andare oltre ciò che appare. Oltre la superficie della pittura.

Oltre la distinzione tra Oriente e Occidente che attraversa tutta la ricerca di Kano, artista giapponese che ha trovato in Italia una seconda casa senza mai perdere il dialogo con le proprie radici.

Quando finalmente la mostra ha aperto e i visitatori entravano, si fermavano davanti alle opere in silenzio, cercavano dettagli, si avvicinavano per cogliere la materia. In quei momenti capivo che tutto il lavoro nascosto — i giorni dedicati alla grafica, le prove di allestimento, le decisioni prese e cambiate infinite volte — era scomparso.

Oggi, ripensando a quell’esperienza, mi accorgo che l’orizzonte del titolo non era soltanto quello evocato dalle opere di Tatsunori Kano. Era anche il mio.

Un confine personale che, attraverso il lavoro apportato e il dialogo con l’artista e con chi ha condiviso questo percorso, si è spostato un po’ più in là.

Gli occhi della città – un racconto a due metri di altezza

Entrare nella Rocca di Montefiorino è stato come attraversare una soglia tra passato e presente. Le antiche mura in pietra, illuminate da una luce soffusa, hanno accolto le fotografie con discrezione, lasciando che fossero loro a dialogare con la storia del luogo. La forza dell’architettura medievale non sovrastava le immagini: le accompagnava, creando un equilibrio fatto di silenzi, materia e memoria.

La raccolta comprendeva facciate del Centro Storico di Modena 2010 e dal repertorio fotografico presentato alla Galleria Mazzoli all’interno dell’incontro culturale "La città e il personaggio", ispirato alle emergenze artistiche e storiche del territorio modenese, coordinato dalla prof.ssa Anna Maria Nalini Setti.

Vedere le fotografie sospese sulle pareti di pietra della Rocca mi ha dato la sensazione che appartenessero a quello spazio da sempre. Ogni cornice sembrava aprire una finestra su un’altra città, mentre il contrasto tra la solidità delle mura e la leggerezza delle immagini invitava il visitatore a rallentare e osservare.

Durante l’inaugurazione ho avuto il piacere di incontrare persone curiose, attente, desiderose di condividere ricordi e impressioni. Ogni fotografia diventava il punto di partenza per una conversazione: qualcuno riconosceva un luogo familiare, altri si soffermavano sulle geometrie delle facciate o sui riflessi della luce. Esporre in un luogo come la Rocca di Montefiorino ha aggiunto un significato speciale al mio lavoro. La storia custodita da queste mura dialogava con la memoria della città che avevo fotografato, creando un ponte tra epoche e paesaggi diversi.

Ripensando a quella mostra, ricordo soprattutto l’atmosfera. Il silenzio della pietra, la luce che accarezzava le immagini e gli sguardi dei visitatori hanno reso Gli occhi della città molto più di un’esposizione fotografica: è stata un’occasione per raccontare come l’architettura, osservata con attenzione, possa diventare emozione, memoria e racconto.

Window Art – Collettivo di Strada

L’idea di Window Art si sviluppa con l’obiettivo di trasformare la vetrina da semplice spazio espositivo a luogo di relazione, cultura ed emozione. Insieme a Michele volevo superare il concetto tradizionale di visual merchandising, offrendo ai negozi del centro storico un nuovo linguaggio capace di coinvolgere il pubblico attraverso l’arte contemporanea. Il progetto nasce infatti dalla convinzione che una vetrina possa diventare una grande tela trasparente, un punto d’incontro tra artisti, attività commerciali e cittadini.

Abbiamo curato l’intero concept creativo: dalla definizione dell’identità del progetto alla selezione degli artisti, dal coordinamento degli interventi pittorici fino alla costruzione del percorso espositivo diffuso. Ogni artista è stato invitato a interpretare liberamente la superficie della vetrina, trasformandola in un’opera site-specific capace di dialogare con il negozio e con lo spazio urbano.

L’evento ha coinvolto dodici artisti che hanno realizzato opere direttamente sulle vetrine delle boutique di via Selmi e delle vie limitrofe, creando un museo a cielo aperto in cui il pubblico ha potuto assistere dal vivo alla nascita delle opere. L’iniziativa è stata accompagnata da una mostra collettiva presso Avery Perfume Gallery, ampliando il dialogo tra arte contemporanea e retail.

La mia visione era quella di generare un’esperienza capace di aumentare l’attrattività delle attività commerciali senza ricorrere alla comunicazione tradizionale, ma attraverso il potere dell’espressione artistica. L’arte diventa così uno strumento di rigenerazione urbana: incuriosisce i passanti, invita a fermarsi, stimola la scoperta e restituisce alle boutique un ruolo culturale oltre che commerciale. Come previsto dal concept progettuale, l’interesse suscitato dalle installazioni ha favorito una maggiore visibilità dei negozi e un incremento dell’affluenza, dimostrando come creatività e commercio possano dialogare in modo virtuoso e creare condivisione.

Window Art ci rappresenta, ed è stato un esempio concreto di come la condivisione possa trasformare un’idea in un’esperienza capace di connettere arte, territorio, imprese e persone, ridefinendo il ruolo dello spazio urbano come luogo di partecipazione, bellezza e tanto divertimento.

Sospeso nel Tempo – Caminito del Rey

Ci sono luoghi che si visitano con gli occhi. E poi ce ne sono altri che, quasi senza accorgertene, si visita attraverso gli occhi e ti insegnano a vedere.

Percorrendo quelle passerelle sospese tra le pareti del canyon, pensavo di essere lì per ammirare uno dei paesaggi più spettacolari dell’Andalusia, El Caminito del Rey. Ma poi fu come se il paesaggio smettesse di mostrarsi e iniziasse a parlare. La capretta ha stimolato il subconscio e le pareti non erano più soltanto pareti. Ogni fenditura sembrava conservare una storia. Ogni sporgenza di roccia suggeriva un gesto umano. Non sentivo più soltanto il torrente, ma il battere dei martelli che, quasi un secolo fa, accompagnavano il lavoro degli uomini sospesi nel vuoto.

E all’improvviso giovani scalatori avanzavano lungo la parete con corde di canapa, scarponi pesanti e mani consumate dalla pietra. Nessuno parlava. Bastava uno sguardo per capire che,lassù, la fiducia valeva più di qualsiasi parola. Poco più in basso, una piccola imbarcazione sembrava scivolare lenta tra le acque del canyon, Desfiladero de los Gaitanes, forse diretta a soccorrere qualcuno, forse soltanto parte di una scena che il tempo aveva cancellato ma che quel luogo continuava ostinatamente a suggerire.

La natura, la storia, la luce, i suoni, perfino il vento, possono diventare frammenti di un racconto incompleto, sta a noi raccoglierli e ricomporli.

È un esercizio che assomiglia sorprendentemente al lavoro di un artista. Non perché inventi ciò che non esiste, ma perché riesce a rendere visibile ciò che gli altri, passando nello stesso luogo, non hanno notato.

E qui rivedi il treno attraversare la gola e i passeggeri salutare, passato e presente si sfiorarono per un istante mentre le visioni scorrono. È qui che il luogo diventa straordinario, perché straordinari non sono i luoghi che ci offrono lo spettacolo più grandioso, sono quelli che rendono grandioso il nostro modo di vederli. Storie nascoste, gesti dimenticati, presenze che il tempo ha cancellato ma che l’immaginazione può ancora restituire con immagini, con visioni.

Il Progetto

Ci sono cantieri che si ricordano per la complessità tecnica, altri per il valore storico dell’edificio. Poi ci sono quelli che finiscono per entrarti dentro. Bagazzano, per me, è stato questo.

Quando iniziai ad occuparmi del restauro della Chiesa della Beata Vergine e della sua canonica sapevo che avrei affrontato un intervento delicato: un edificio ferito dal tempo e dal sisma, il confronto continuo con la Soprintendenza, le modifiche progettuali, le sospensioni dei lavori, le inevitabili difficoltà che accompagnano ogni restauro vero. Ma non immaginavo che quel luogo sarebbe diventato una riscoperta del Tempo.

Il merito era soprattutto di Don Emanuele. Lui era il parroco, muratore, custode, giardiniere, elettricista, organizzatore, storico dei luoghi e, quando serviva, anche cuoco. Ogni volta che arrivavo in cantiere era quasi impossibile andarmene via in fretta.

“Architetto, prima venga a bere un caffè.” Quel caffè diventava facilmente un piatto di pasta preparato al momento, oppure una frittata improvvisata con quello che c’era in canonica. E mentre mangiavamo, il tempo sembrava fermarsi.

Mi raccontava la storia della chiesa, delle persone che l’avevano vissuta, dei matrimoni, delle processioni, del supermercato e delle donazioni di brave persone, delle famiglie che avevano contribuito a mantenerla viva. Ogni muro acquistava un volto, ogni lesione una memoria, ogni scelta progettuale un significato che andava ben oltre il disegno tecnico.

Così il restauro cambiava prospettiva. Non si trattava soltanto di consolidare murature, recuperare intonaci storici o migliorare la risposta strutturale dell’edificio. Si trattava di restituire dignità a un luogo che apparteneva alla comunità, rispettandone la storia e le tracce lasciate dal tempo.

Anche le richieste della Soprintendenza, che spesso comportavano modifiche importanti al progetto iniziale, finirono per essere parte di questo percorso. Recuperare gli intonaci originali anziché sostituirli, utilizzare finiture a calce, scegliere sistemi di consolidamento meno invasivi, conservare ogni elemento possibile significava accettare che il restauro non consiste nel rifare, ma nel capire prima di intervenire.

Alla fine, quando il cantiere si concluse nel maggio del 2018, provai una soddisfazione particolare. Non soltanto perché l’opera era terminata, ma perché avevo la sensazione di lasciare un luogo che, in qualche modo, era diventato anche un po’ mio.

Di tanti cantieri ricordo i particolari costruttivi, le verifiche strutturali, le riunioni di cantiere. Di Bagazzano ricordo soprattutto Don Emanuele.

Ricordo la sua capacità di accogliere, la semplicità con cui trasformava una pausa di lavoro in un momento di amicizia, il suo entusiasmo nel vedere rinascere la chiesa e nel pranzo con il Vescovo in mensa per celebrare il nuovo inizio del Borgo.

È proprio questo il regalo più grande che mi ha lasciato quel restauro: avermi ricordato che dietro ogni edificio storico ci sono sempre delle persone, delle storie. C’è un tempo ritrovato.

Il Progetto

L’intervento nasce con l’obiettivo di rispondere alla crescente domanda di alloggi universitari nel Comune di Modena, creando una struttura capace di integrare funzioni residenziali, servizi commerciali e spazi collettivi in un’unica architettura aperta e permeabile.

Il progetto non vuole essere soltanto uno studentato, ma un vero campus urbano, capace di generare nuove relazioni sociali, incrementare la qualità dello spazio pubblico e costituire un elemento di rigenerazione dell’intero quartiere.

L’edificio conserva la propria identità architettonica attraverso un intervento di recupero rispettoso della struttura esistente, valorizzando la modularità dei prospetti, l’ampia corte centrale e la flessibilità distributiva dei piani. La corte interna viene reinterpretata come una piazza coperta, cuore della vita collettiva del complesso, luogo di incontro, studio, eventi e socializzazione. Ai piani superiori trovano collocazione le camere e gli appartamenti destinati agli studenti, organizzati con spazi comuni, sale studio, aree relax, lavanderie e cucine condivise.

Il piano terra diventa il principale elemento di connessione tra edificio e città.

Le funzioni previste comprendono: Reception e accoglienza, Infopoint, Uffici di gestione, Bar e caffetteria, Piccolo supermercato di quartiere, Palestra e centro fitness, Servizio di noleggio biciclette ed e-bike, Sportello bancario/ATM, Spazi coworking, Sale multifunzionali per eventi, conferenze e attività culturali. Tutte le attività saranno accessibili anche ai cittadini, trasformando il complesso in un luogo vissuto durante tutto l’arco della giornata.

Il progetto promuove il principio della città aperta, superando il concetto tradizionale di residenza universitaria chiusa. L’intervento privilegia il recupero dell’edificio esistente, riducendo il consumo di suolo che con tecnologia ed innovazione limitano l’impatto ambientale rispetto ad una nuova edificazione.

Il progetto propone la trasformazione dell’immobile in un Campus Urbano Multifunzionale, dove residenza, servizi, commercio, sport e cultura convivono in un unico sistema integrato. L’intervento coniuga sostenibilità ambientale, innovazione architettonica e sostenibilità economica, configurandosi come un investimento strategico sia per operatori privati sia per l’Amministrazione Comunale. La nuova struttura diventerà un punto di riferimento per la vita universitaria e un nuovo luogo di aggregazione aperto alla città, contribuendo in modo significativo alla rigenerazione e alla valorizzazione del contesto urbano.

Il Progetto

La prima impressione è stata quella di una costruzione che conservava ancora un equilibrio compositivo, ma rimaneggiato e nascosto dietro superfici segnate dal tempo. Non era un edificio da reinventare, né tantomeno da stravolgere. Era un edificio che chiedeva di essere ascoltato. Per questo motivo ho immaginato il progetto come il racconto di una trasformazione. Mi piace pensare che anche gli edifici abbiano una personalità e che, come le persone, possano evolversi senza perdere la memoria di ciò che sono stati.

Ecco perché si è intervenuti sull’abito e sugli accessori dell’edificio. La nuova rasatura e il tinteggio delle superfici non rappresentano soltanto un rinnovo materico, ma diventano il modo attraverso il quale il fabbricato cambia il proprio modo di presentarsi alla città. Si è scelta la gamma di grigi perché la ritengo capace di conferire all’architettura un carattere più essenziale e contemporaneo, lasciando che siano le proporzioni, le ombre e la luce a mantenerne l’identità.

Successivamente l’attenzione è caduta sugli elementi che considero la fisionomia dell’edificio: i balconi, i terrazzi, i parapetti e le ringhiere. Recuperarli, restaurarli e ridisegnarne l’immagine significa restituire dignità all’intero organismo architettonico. Non serviva aggiungere elementi estranei, ma rendere più nitido ciò che già esisteva, eliminando le imperfezioni accumulate negli anni e restituendo continuità al disegno esistente.

Le recinzioni hanno poi assunto un ruolo fondamentale nel progetto. Le nuove doghe orizzontali, di differenti altezze, costruiscono una trama più raffinata e dinamica, capace di instaurare un rapporto più leggero con lo spazio pubblico pur conservando la necessaria solidità. Il muretto esistente viene recuperato, non nascosto, per conservare tracce dell’origine.

Una delle scelte progettuali più importanti è stata proprio quella di non modificare ciò che funziona. Gli accessi carrabili e pedonali rimangono invariati, così come l’impianto complessivo dell’edificio. La trasformazione non nasce dal desiderio di cambiare tutto, ma dalla convinzione che spesso sia sufficiente intervenire con misura per modificare profondamente la percezione di un’architettura.

In questo progetto non si è cercato di cancellare gli anni Settanta, ma di accompagnarli, anche con le sue evoluzioni nel presente. La sua nuova immagine non è più quella di un edificio semplicemente restaurato, ma quella di un edificio che mostra un proprio carattere.

È stata un’occasione di trasformare una manutenzione in un’evoluzione. Un percorso di maturazione. Un edificio che continua a raccontare la propria storia, ma con un linguaggio più contemporaneo, più essenziale e più in sintonia con la sensibilità architettonica di oggi.

Il Progetto

La mostra fotografica allestita nella canonica della parrocchia dei Santi Faustino e Giovita è nata dall’invito del Don a raccontare una chiesa che, per me, è insieme memoria personale e testimonianza di una comunità.

Da bambino frequentavo questa parrocchia, ma la chiesa che oggi conosciamo non c’era ancora. Al suo posto viveva un edificio diverso, appartenente a un’altra stagione della città. Negli anni Sessanta, con l’espansione del quartiere, la vecchia chiesa fu demolita e sorse l’attuale complesso parrocchiale: un’architettura essenziale (Oliviero Bertolani), pensata non come monumento ma come luogo di incontro, partecipazione e vita comunitaria. Accanto alla nuova aula liturgica nacquero la canonica, la sala cinematografica, il battistero, la cappella feriale e gli altri spazi destinati a fare della parrocchia un autentico centro di aggregazione.

Quando mi fu proposto di esporre, la prima reazione fu di esitazione. Tornare, dopo tanti anni in quel luogo mi intimoriva e vissi i giorni precedenti con un po’ di inquietudine. Ogni dubbio, però, è svanito fin dai primi momenti dell’inaugurazione. La cordialità, l’accoglienza e l’interesse dimostrati dai fedeli hanno trasformato quella che sembrava una semplice esposizione fotografica in un incontro autentico. Mi sono sentito accolto con affetto e rispetto. Tranquillo.

Quelle poche foto attraverso luci soffuse, prospettive inconsuete cercano di restituire il carattere spirituale di questa chiesa: un edificio sobrio, dove la semplicità delle forme lascia spazio al raccoglimento e alla contemplazione. Il taglio delle immagini non è fine a sé stesso, ma diventa uno strumento per rivelare ciò che spesso sfugge allo sguardo quotidiano.

Questa mostra ha rappresentato molto più di un’esposizione fotografica. È stata una riscoperta, un modo per riconciliarmi con un luogo che apparteneva solo all’infanzia. Spero di aver rivelato alla comunità uno sguardo nuovo sulla propria casa. Se la fotografia ha un compito, credo sia proprio questo: permetterci di far vedere con occhi diversi ciò che pensavamo di conoscere già.

Il Progetto

Nel cuore della campagna modenese, immerso nel paesaggio agricolo che accompagna il corso del fiume Secchia, un vecchio complesso rurale cerca nuova identità.

Nasce così il Borgo dei Galli, un progetto di recupero che interpreta il patrimonio rurale emiliano con uno sguardo contemporaneo, preservandone l’identità architettonica e trasformandolo in un luogo dove abitare significa ritrovare il tempo, la natura e la qualità della vita. La vecchia Casa del Fattore e la storica Stalla con fienile vengono recuperate con rispetto filologico e trasformate in cinque residenze di pregio, ciascuna unica per carattere e distribuzione degli spazi. Gli intonaci dai toni della terra, le coperture in coppi, le grandi aperture del fienile reinterpretate in chiave contemporanea e la cura di ogni dettaglio restituiscono il carattere originario del luogo.

Il cuore del borgo è costituito dallo stradello alberato, elemento identitario dell’insediamento rurale, che diventa il percorso principale di accesso e relazione tra le abitazioni. Un viale in ghiaia stabilizzata, ombreggiato da alberature e accompagnato da siepi e giardini, dove il verde trionfa con grandi cespugli che si alternano ad arbusti ed alberi, pergolati rivestiti di glicine e rose rampicanti, giardini fioriti, prati e spazi comuni costruiscono un ambiente ricco di biodiversità, capace di cambiare con il susseguirsi delle stagioni.

L’intervento integra inoltre tutte le tecnologie necessarie per garantire elevati standard abitativi: impianti ad alta efficienza energetica, sistemi costruttivi orientati al comfort, predisposizione alla mobilità elettrica, illuminazione a basso impatto e soluzioni attente alla sostenibilità ambientale.

Ogni abitazione gode della propria privacy, pur facendo parte di un piccolo borgo dove è possibile condividere spazi, relazioni e uno stile di vita autentico. Un equilibrio sempre più raro tra riservatezza e senso di comunità, tra indipendenza e appartenenza.

Il Progetto

Suggestioni rurali nel Casone Modenese, storie di vita contadina dove mezzadri e animali dividevano lo stesso tetto. L’edificio sottoposto a vincolo di restauro, e i relativi annessi rurali, continuano ad essere situati lungo l’argine del Naviglio di Modena, nel tratto che collega la città a Bastiglia, ma la sua destinazione non può più essere la stessa.

Il progetto nasce dalla necessità di convertire l’edificato in residenziale e dalla volontà di conservare e valorizzare uno dei caratteristici complessi rurali modenesi, accompagnato dai valori storici, architettonici e paesaggistici del luogo.

La proposta progettuale, condivisa dall’amministrazione Comunale, è legata al restauro conservativo del corpo principale e al recupero degli annessi che vengono reintegrati e rifunzionalizzati preservandone i materiali e gli elementi costruttivi tradizionali, affinché continuino a testimoniare l’origine rurale del sito e restituiscano continuità al luogo.

La sistemazione degli spazi esterni interpreta i caratteri propri del paesaggio agricolo modenese attraverso un linguaggio coerente e contemporaneo: giardini privati, percorsi pavimentati, pergolati in legno, alberature autoctone, orti e siepi contribuiscono a ricostruire l’atmosfera delle antiche corti della pianura, integrando gli spazi abitativi con il contesto naturale del Naviglio.

Il recupero degli stilemi tipici dell’architettura rurale della Bassa Modenese — la semplicità dei volumi, i materiali tradizionali, le cromie dell’intonaco, le coperture in laterizio, i serramenti lignei e le sistemazioni a verde — restituisce identità e valore storico al complesso, collocandolo tra gli esempi di riqualificazione rispettosa della memoria dei luoghi.

Il Progetto

Trasformare un luogo produttivo ormai privo della propria funzione originaria in uno spazio capace di restituire qualità urbana è un esercizio impegnativo. La riconversione di un lotto appartenente alla ex zona artigianale rappresenta l’occasione per riscrivere una porzione di città attraverso un linguaggio contemporaneo, essenziale e tecnologicamente evoluto.

Il progetto propone la realizzazione di un piccolo edificio residenziale che interpreta il concetto di abitare moderno con un’architettura fatta di volumi puri, linee rigorose e materiali sobri. La composizione si caratterizza per un equilibrio tra pieni e vuoti, dove le profonde logge, le schermature e gli elementi frangisole conferiscono dinamismo ai prospetti, garantendo al tempo stesso comfort climatico, privacy e qualità percettiva.

L’aspetto più significativo dell’intervento risiede tuttavia nella sua capacità di dialogare con il contesto. Se da un lato il lotto conserva la memoria della propria origine artigianale, dall’altro la sua posizione privilegiata, affacciata sul parco pubblico e sulla pista ciclopedonale proveniente dalla confinante zona residenziale storica, suggerisce una naturale vocazione all’abitare. Il progetto coglie questa opportunità trasformando un margine urbano in un luogo di connessione tra la città costruita e gli spazi verdi, favorendo una nuova continuità paesaggistica e sociale.

L’edificio si apre verso il parco attraverso ampie superfici vetrate e terrazze abitabili che diventano vere estensioni degli ambienti interni. La luce naturale, il verde e le visuali aperte diventano parte integrante dell’esperienza quotidiana degli abitanti, instaurando un rapporto costante tra architettura e paesaggio.

Grande attenzione è stata dedicata anche alla progettazione degli spazi esterni. Le pavimentazioni in travertino dialogano con le superfici in ghiaia resinata, mentre il disegno del verde, caratterizzato da prati, alberature ad alto fusto, siepi di Photinia e aree di sosta, contribuisce a definire un ambiente elegante ma naturale, capace di accompagnare l’edificio senza sovrastarlo. La vegetazione diventa parte dell’architettura, mitigando il contesto e creando un’atmosfera accogliente in ogni stagione.

Gli interni riflettono la stessa filosofia progettuale. Ambienti luminosi, essenziali e funzionali sono caratterizzati da materiali naturali, pavimenti in rovere spazzolato, tonalità sabbia e tortora e arredi dal design minimalista. Ogni spazio è pensato per trasmettere equilibrio, comfort e serenitdà, lasciando che la qualità della luce e la matericità delle superfici diventino i veri protagonisti dell’abitare.

Dal punto di vista tecnologico, l’edificio è concepito secondo i più moderni criteri di efficienza energetica e sostenibilità ambientale. L’involucro ad alte prestazioni, i sistemi impiantistici di ultima generazione e l’attenzione al controllo del soleggiamento permettono di ridurre i consumi energetici garantendo un elevato comfort abitativo durante tutto l’anno.

Il Progetto

Instaurare un dialogo con il territorio ai margini dell’Appennino modenese. Un luogo in cui il paesaggio, la pietra e il bosco raccontano da sempre una storia di equilibrio tra uomo e natura.

Il rivestimento in pietra locale richiama i borghi e i casali appenninici, conferendo all’edificio un carattere solido, senza tempo. Gli scuri in legno e la lattoneria color testa di moro completano una palette materica fatta di elementi naturali, che cambia con la luce del giorno e con il susseguirsi delle stagioni.

Gli spazi interni sono pensati per accogliere la vita quotidiana con semplicità. Le grandi aperture verso la vallata trasformano il paesaggio nel vero protagonista della casa: ogni ambiente vive in costante relazione con l’esterno, lasciando entrare la luce, i colori del bosco e il ritmo lento della montagna. Il soggiorno, cuore dell’abitazione, si apre come una terrazza naturale sul panorama, mentre la zona notte offre un’atmosfera raccolta, silenziosa e intima.

Anche gli spazi esterni diventano luoghi da vivere. La pergola, il terrazzo e il giardino sono progettati per accompagnare le diverse ore della giornata: il caffè del mattino immersi nella luce limpida dell’Appennino, il pranzo all’ombra nelle giornate estive e il tramonto, quando il sole accende di riflessi dorati la pietra e il verde delle colline.

Questa villa non vuole imporsi sul paesaggio, ma diventare parte di esso. È una casa semplice che trasmette il senso dell’abitare lento, della qualità dei materiali, del comfort contemporaneo e del profondo legame con un territorio autentico. Un luogo dove ogni finestra incornicia un panorama diverso e dove la natura entra a far parte della vita quotidiana.